Este pasado verano se cumplía el 50.º aniversario de una película
singular e irrepetible, paradigma de un cine de autor tan audaz,
salvaje y hermoso como lamentablemente enterrado en el olvido durante
décadas: Belladona of Sadness (Kanashimi no Belladonna, 1973),
de Eiichi Yamamoto.
Tras ser estrenada en el Festival de Berlin,
el fracaso en taquilla del filme unos meses más tarde supuso el
cierre definitivo de su productora, creada por el padre del género
manga Osamu Tezuka. El público de la época no aceptó o comprendió
que una película de animación para adultos exhibiera tal nivel de
libertad y desatada experimentación estética, carga política, sexo
y violencia.
Basada en el ensayo La Sorcière (1862), de Jules
Michelet, la cinta es un agitado viaje psicodélico,
irresistiblemente poderoso, en el que podemos hallar ecos del arte
silente de F. W. Murnau, el cómic Valentina de Guido Crepax,
el musical Yellow Submarine (1968) de George Dunning, las
fotografías de Nobuyoshi Araki o el terror del giallo italiano.
La
lírica y penetrante música de Masahiko Satô, claramente
influenciada por el excelso Ennio Morricone y el rock progresivo de
la época, no hace más que aumentar las ya de por sí intensas
sensaciones de emoción y vértigo que transmite su
visionado.
Belladona of Sadness es un filme de explícito
alegato feminista, realizado por artistas japoneses masculinos a
comienzos de los años 70, que a día de hoy no ha perdido ni una
hebra de su pionero, perturbador y bellísimo tapiz.
«Me
apasiona el cine y cada vez que un documental tiene éxito, es un
éxito para todos quienes los hacemos»,
confesaba Laura Poitras (Boston, 1964), autora de varios documentales
de denuncia en los que arremete contra los abusos de los gobiernos de
su propio país, como el imprescindible "Citizenfour"
(2014), sobre el activista y refugiado político Edward Snowden.
De ahí que su última obra, ganadora del León
de Oro en el Festival de Venecia y probablemente
su mejor trabajo como directora, se construya a varios niveles, tales
como el género biográfico, los movimientos sociales, la adicción a
las drogas, la crítica anticapitalista o la ponderación artística,
facetas todas ellas que Poitras
logra que fluyan complementándose narrativamente en un despliegue de
profunda e intensa honestidad. Para un servidor, el resultado es una
joya fílmica cuyo eje central es la apasionante figura de la
fotógrafa Nan Goldin (Washington D.C., 1953).
"Trixie
on the Cot, New York City” (1979),
de Nana Goldin.
La
autora de la insigne serie fotográfica "The Ballad of Sexual
Dependency" (1986) es una mujer cuya anárquica
trayectoria vital ha sido, desde la
adolescencia, una cruzada constante por conservar su identidad e
independencia, tanto personal como artística. Su arte muestra la
descarnada realidad, las luces y las sombras de sus propias vivencias
junto a sus seres íntimos, tan libres, y a la vez marginados, como
ella misma.
En
2018, inició su batalla más trascendente: la campaña en redes
#ShameOnSackler y la asociación PAIN, cuya
meta consistía en obligar a la dinastía
farmacéutica de los Sackler a asumir su responsabilidad sobre la
Epidemia de opioides que ha
causado 500.000 muertes aproximadamente desde que comercializaron el
medicamento OxyContin,
además de presionar a instituciones
culturales y museos de todo el mundo —que
reciben millonarias donaciones “filantrópicas” por parte de la
familia—,
a fin de desvincularse de los Sackler.
“La
belleza y el dolor" es un filme espinoso
y excitante, artísticamente
sugestivo y estremecedor sobre la difícil vida de una mujer que ha
logrado sobrevivir gracias al arte, la amistad y el amor.
Lo
que más me ha sorprendido del filme no ha sido la virtuosa
interpretación de Cate Blanchett —mi actriz favorita desde que
encadené en pocos meses los visionados de "El Señor de los
Anillos: la Comunidad del Anillo", "Charlotte Gray",
"Bandits" y "Premonición" entre 2001 y 2002, a
las que se sumaron "Veronica Guerin" y "Coffee and
Cigarettes" un par de años más tarde—, sino la valentía de
su guionista y director al exponer las cotas de estulticia,
santurronería y resentimiento de quienes marcan las pautas de lo
políticamente correcto. Lydia Tár es un personaje construido sobre
unos oscilantes cimientos psicológicos, tan brillante como espinoso,
claro ejemplo contemporáneo de persona encumbrada a deidad
mitológica, cuyo estatus profesional le permite ejercer el poder de
manera abusiva, arbitraria e impune. Hasta aquí tan solo hallaríamos
un retrato muy de actualidad sobre los polémicos casos de despotismo
en los ámbitos donde la fama lo es todo. Sin embargo, Todd Field nos
instiga, a través de la directora de orquesta, a debatir sobre los
juicios maniqueístas que los medios ofrecen de manera tentadora al
público más perturbado, a la ignorancia y desprecio por los logros
culturales del pasado que exhiben con altivez algunos jóvenes
alienados por la popularidad, a la obligada estandarización de todo
lo que nos ofrecen las grandes y pequeñas pantallas que nos rodean,
en definitiva: a esa “conjura de los necios” a la que aludía
John Kennedy Toole.
Con
una realización elegante y atmosférica, que ensalza un guion
sobresaliente, "Tár" es una película inteligente, que
trata como a un igual a sus espectadores y que nos recuerda la
prodigiosa habilidad del arte para revelar las tinieblas de los
individuos o la helada eficiencia de las sociedades empecinadas en
transfigurar en autómatas a la gran mayoría de sus miembros...
Mari Samuelsen | Scoring Berlin, Jonathan Stockhammer * LYS (2022)
El numen de Lys (2022) —que significa luz en noruego— surgió de la meditación sobre los vínculos entre la música y la luz de la violinista Mari Samuelsen (Hamar, 1984), y los paralelismos que halló en la sugestiva energía que comparten. Trece mujeres compositoras fueron las elegidas para que Samuelsen reinterpretara sus partituras; desde la abadesa alemana Hildegard von Bingen —filósofa, escritora, médica, científica y compositora del siglo XII—, con el místico tema O vis eternitatis, o la estrella del pop Beyoncé y su romántico Halo, hasta autoras contemporáneas tan renombradas como Hania Rani, Hildur Guðnadóttir, Laura Masotto o Meredi, responsables las dos últimas de las bellísimas piezas Sol Levante y Where Flowers Take Their Bath, creadas ex profeso para el disco. Una de las mayores singularidades del álbum es el equilibrio que alcanza entre la elegancia y serenidad que emanan de la mayoría de los temas y la vital pasión que Samuelsen irradia con su violín (un Guadagnini de 1773). Los tiempos musicales son variados, de modo que los melancólicos Adagio o los vibrantes Allegretto se suceden orgánicamente, sin perder la cadencia de elevada emoción apenas contenida; de ahí que los quince cortes mantengan un espíritu cohesionado, acorde a la visión a la cual aspiraba la violinista.
La virtuosa noruega nos invita a sumergirnos en una experiencia vigorosa y policromática, en la que su iridiscente violín emplea nuestros oídos como un portal por el que conquistar nuestras más íntimas esferas de intuición y sensibilidad, haciéndolas relucir de reminiscencias, de revelaciones y de armonía.
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